FUSION ARTISTIQUE : DIEGO VELÁZQUEZ ET CLAUDE MONET

 

Diego Velázquez (gauche) et Claude Monet (droite) ensemble dans une image crée par IA (Microsoft Designer)

Une après-midi romantique à Notre-Dame

Ce tableau représente une scène idyllique et élègante davant la majestueuse façade de la cathédrale de Notre-Dame de Paris. L'artiste semble vouloir capter la beauté de l'architecture gothique, mais aussi l'animation sociale de l'époque. L'image suggére une volonté de capturer un moment éphémère, plutôt que de représenter fidèlement la réalité.

L’œuvre est marquée par une approche stylistique qui évoque l'impressionisme, bien qu'avec des nuances de romantisme et baroque. Il a des touches de pinceau douces et légères qui dissolvent les formes et les textures. Cependant, contrairement à un réalisme strict, ici les détails architecturaux et les visages des personnages sont conservés, mais simplifiés. 

La composition est centrée sur la cathédrale, dont les détails sont soigneusement rendus et, au même temps, légèrement estompés par une lumière diffuse qui unifie l'ensemble de la scène. La symétrie imposante de la façade contraste avec le dynamisme des figures humaines au premier plan où, les personnages, vêtus de somptueuses tenues d'époque, participent à une promenade. Ils sont disposés de manière fluide, créant un mouvement circulaire qui guide l'œil du spectateur autour de la toile.

La lumière joue un rôle primordial dans cette œuvre : elle baigne la scène d'une clarté dorée et vaporeuse qui adoucit les contours et crée une atmosphère presque irréelle. Les couleurs prédominants sont principalement des tons pastels —des bleus clairs, des roses poudrés, des dorés et des blancs lumineux. Ces nuances renforcent l'impression d'harmonie. La lumière semble également refléter sur les surfaces aqueuses au bas de la composition, suggérant la présence d'un bassin ou un miroir d'eau qui ajoute un effet de rêverie.

Le choix de Notre-Dame comme sujet central renforce le caractère intemporel de l’œuvre, anclant la scène dans l'héritage culturel et spirituel de Paris. Ce tableau est une célébration visuelle de la beauté architecturale et de la vie sociale, un hommage à Notre-Dame en tant que symbole de la culture parisienne et de l'art européen. Il invite le spectateur à se laisser transporter dans un monde de lumière, de grâce et de nostalgie, où l'histoire et l'art s'entrelacent dans une harmonie parfaite.

L'aube d'une bataille

Ce tableau illustre une scène vibrante et dramatique marquée par l'agitation et la tension qui précèdent une bataille imminente, située dans un cadre naturel où le soleil couchant diffuse une lumière chaude et dorée. L'artiste a réussi à capturer non seulement l'effervescense militaire, mais aussi un moment empreint d'émotion collective, suggérant la gravité et la solennité d'une confrontation à venir.

La composition est riche et dynamique, structurée autour de deux pôles principaux : l'interaction au premier plan entre un cavalier, représentant probablement un commandant ou une figure d'autorité militaire, et ses troupes, puis la ligne d'horizon où le soleil couchant éclaire un fleuve traversé par des embarcations. La profondeur de champ est parfaitement dessinée, l’œil du spectateur est attiré d'abord par le groupe de soldats et de figures au centre, puis il est guidé ver l'arrière-plan où les silhouettes des navires et les reflets sur l'eau évoquent les préparatifs stratégiques de la bataille. Les arbres sur la gauche encadrent la scène, tandis que la lumière du soleil agit comme un point focal puissant.

Le jeu de lumière et un des aspects les plus remarquables de l’œuvre. Le ciel, peint dans des tons dorés, orangés et rosés, baigne la scène dans une atmosphère de fin de journée mélancolique mais emprente de tension. La lumière du soleil met en valeur les figures principales et les détails des uniformes, tout en jetant des ombres longues et dramatiques sur le sol. Les tons sombres des vêtements militaires et des armes contrastent avec les couleurs plus claires portées par certains personnages en arrière-plan, créant une palette équilibrée qui juxtapose l'austérité de la guerre avec la beauté naturelle du paysage environnant.

Les personnages sont disposés de manière à traduire l'attente nerveuse et la détermination avant l'affrontement. Le cavalier, placé au centre-droit, est une figure charismatique et centrale qui capte immédiatement l'attention. Sa posture droite et confiante sur son cheval, mis en évidence par la lumière, suggère son rôle de leader et sa responsabilité dans le déroulement de la bataille. Autour de lui, ses soldats forment une foule dense, armée de piques et de fusils, leurs postures traduisant une discipline rigoureuse et un état d'alerte. En arrière-plan, les préparatifs maritimes ajoutent une dimension stratégique à la scène, renforçant l'idée d'une campagne militaire d'envergure.

Le style du peintre, à la fois réaliste et impressioniste, se caractérise par une attention méticuleuse aux détails. 

Le poème de la vie rurale

Cette œuvre saissante capture une scène de la vie rurale dans une atmosphère baignée de lumière et de quiétude. Elle s'inscrit dans la tradition du réalisme ou le naturalisme, avec des accents impressionnistes dans le traitement de la lumière et des couleurs. L'artiste dépeint ici un moment simple et authentique du quotidien, transformant une tâche ordinaire —la friture d’œufs— en une célébration de la vie paysanne.

Au premier plan, une femme d'âge mûr, vêtue d'une robe à motifs sombres et d'un tablier blanc, est entierèment concentrée sur la friture des œufs dans une poêle placée sur un feu ouvert. Le mouvement de sa main, tenant une cuillière en bois, est d'une élégance naturelle, témoignant d'un souci du détail dans la répresentation des gestes du quotidien. À côté d'elle, des œufs soigneusement disposés dans des paniers et des bols en céramique enrichissent la scène de touches de couleur —les jaunes vibrants contrastent avec les blancs nacrés des coquilles.

L'arrière-plan est animé par une scène champêtre où plusieurs figures donnent vie au tableau. Une jeune femme, peut-être une fille ou une aide, se tient debout, les mans croisées dans une posture calme et respectueuse, observant la scène avec une certaine solennité. Plus loin, un homme, probablement un paysan, est assis sur un tabouret, occupé à une tâche indéterminée, tandis qu'une autre femme, assise à droite, semble travailler, peut-être en épluchant des légumes ou en cousant. Derrière eux, un troupeau de vaches pâture dans une prairie verdoyante ; une communauté vivant en harmonie avec la nature.

L'artiste démontre une maîtrise impressionante de la lumière naturelle. Le ciel, teinté d'orange et de nuances douces, suggère un moment de transition, peut-être l'aube ou le crépuscule. Les rayons de lumière jouent sur les textures des vêtements, des ustensiles et de l'herbe, créant un contraste subtil entre les zones d'ombre et de lumière.

Le style, bien que réaliste dans la précision des détails et la narration, est adouci par une touche impressioniste dans le rendu des éléments naturels, tels que l'herbe, les arbres et le ciel. Les coups de pinceau sont légers et expressifs, conférant à l'ensemble une sensation de mouvement et de vie.

La composition est habilement équilibrée, guidant le regard du spectateur depuis le premier plan, où la scène de cuisine capte immédiatement l'attention, vers l'arrière-plan, où le paysage et les figures secondaires enrichissent la narration. La disposition des objets —la poêle, les œufs, les paniers et les ustensiles— crée une structure presque circulaire qu'évoque la continuité de la vie quotidienne.

Cette œuvre peut être interpretée comme une montre de la simplicité et de la noblesse des tâches ordinaires. Elle met en avant la figure féminine comme pilier central de la vie rurale, tandis que l'arrière-plan élargit le contexte en soulignant le lien entre l'homme et la nature. 

En somme, Poème de la vie rurale immortalise un instant de vie ordinaire avec une sensibilité et une profundeur remarquables, invitant le spectateur à apprécier la beauté dans les gestes les plus simples.

Processus de création

Bien si l'IA a réussi à créer les tableaux, la fusion artistique n'est pas équilibré. Le style baroque et réaliste de Velázquez a disparu, et l'impressionnisme de Monet et trop estompé entre un romantisme inventé, qui ne correspond à aucun des deux peintres, mais qui a imprégné toutes les créations. 

Le programme utilisé, Microsoft Designer, a besoin d'indications très précises pour créer des images accordes à ce qu'on demande, mais il est capable de générer des images réels. En plus, il a une fonction très utile pour améliorer les indications et ajouter des détails. Il s'agit, quand même, d'une intelligence artificielle, donc il fait des nombreuses erreurs dans les trois œuvres crées. 

Dans la fusion, il manque de la perspective dramatique de Velázquez, qui était habitué à centrer l'attention sur les interactions humaines. Dans ce cas, les figures semblent plus décoratives que narratives, ce qui dilue le poids de les scènes. En plus, il manque le traitement méticuleux des tissus et des visages qui, dans les images généres par l'IA, manquent d'individualité et émotion.

Les compositions sont aussi bien construites ; elles évoquent les élements naturels présents aux tableaux de Monet et l'organisation des figures de Velázquez. Néanmoins, les scènes manquent d'une histoire concrète, comme La Rendición de Breda ou El triunfo de Baco. 

L'objectif était de fusioner La cathédrale de Rouen avec Las Meninas, Impression, soleil levant avec La rendición de Breda et La vieja friendo huevos avec Le pont japonais. Cependant, l'essence des tableaux originaux est seulement representé sur le deuxième, où on peut voire la réference à La rendición de Breda et Impression, soleil levant et sur la troisième, où on voit La vieja friendo huevos.

Voici quelques-unes des erreurs perprétrées par l'IA : dans la première image, Microsoft Designer a changé la cathédrale de Rouen par Notre-Dame et, dans la troisième, il y a des élements qui peuvent sembler étranges, comme le toile à côté du feu, les œufs dehors de la poêle ou le pinceau à la main de la femme protagoniste, même s'il est en train de cuisiner.

Une autre aspect remarquable est la présence féminin à la bataille du deuxième tableau. À l'époque, il était impensable que les femmes participent dans une bataille militaire et, en fait, dans La rendición de Breda, on voit seulement des hommes. L'IA n'a pas hésité à représenter des femmes vêtues de leurs vêtements d'époque, mais armées de fusils et prêtes à combattre.

En conclusion, l'IA est capable de créer des œuvres qui pourraient être peintes par des professionnels, mais elle ajoute des éléments qui n'ont pas de sens et, en fusionant deux artistes ou styles complètement opposés, elle remarque l'un par-dessus l'autre et n'est pas en mesure de saisir entièrement l'essence de l'un ou l'autre des peintres.